miércoles, 4 de noviembre de 2009

Música norteamericana: Rap y Hip-Hop

MÚSICA NORTEAMERICANA
RAP Y HIP-HOP



Pide a dos artistas cualquiera, fans u otros miembros variados de la comunidad del rap y del hip-hop que te expliquen la diferencia exacta entre los dos términos y posiblemente tendrás respuestas muy diferentes. Aún así, la mayoría probablemente coincidirá en que el rap describe un tipo de música mientras que el hip-hop se refiere a un fenómeno cultural que incluye las pintadas, el breakdancing y la moda, además de la música.
Musicalmente la única diferencia entre los dos es que el rap siempre contiene el elemento vocal de rimas habladas mientras que el hip-hop puede ser puramente instrumental en su naturaleza. El rap en sus etapas más tempranas empezó con los DJs mezclando registros, y manejando ritmos y bases mientras hacían rimas sobre los ritmos. Esta práctica de adaptación, disección, y transformación de la música pregrabada para crear nuevas canciones podría ser la contribución más significativa del hip-hop a la música moderna.
Hoy, las técnicas de demos digitales primero usadas por productores de hip-hop para ampliar las posibilidades de looping de los DJs se usan comúnmente en electrónica así como en la música rock más comercial. En términos de presencia en la industria, el hip-hop hizo su más grande aparición con Gangsta Rap que irrumpió con fuerza en los 80 y dominó la escena pop en todas las listas de los 90. La música comercial, deslumbrada por este poderío repentino de ventas, devoró al rap y lo mezcló con R&B e incluso con música heavy. En medio de todo este éxito, la comunidad de DJs responsable de la música hip-hop pionera que había caído del cuadro popular, sustituido por samplers avanzados y complicadas producciones de estudio. En consecuencia hubo un movimiento que hizo resurgir a los DJs como músicos por derecho propio, no solamente dentro del contexto del rap. La vuelta del pinchadiscos anunció un resurgimiento de energía viva en la música del hip-hop y el rap. Muchos de los artistas de rap de hoy graban y giran con bandas de directo, ampliando sus parámetros musicales más allá de los samplers.



Rap

Este género musical surgió en los barrios negros e hispanos neoyorquinos en los ochenta y alcanzó su apogeo en los noventa. Se caracteriza por un juego de réplicas y contrarréplicas de lenguaje combativo.

El rap es un género musical originado a finales de los años 60 y principios de los 70, en Nueva York, Estados Unidos.
Los instrumentos que más comúnmente se utilizan en este género son los siguientes:

.Djing.
.Caja de ritmos.
.Sampler.
.Sintetizador.
.Beatboxing.
.Percusión.
.Teclados

FOTO: Dr. DRE (cantante de rap y hip-hop estadounidense)

El rap es un tipo de perro o recitación rítmica de rimas, juegos de palabras y poesía surgido a mediados del siglo XX entre la comunidad negra de los Estados Unidos. Es uno de los cuatro pilares fundamentales de la cultura hip-hop, de ahí que se los confundan. Aunque puede interpretarse a capella, el rap va normalmente acompañado por un fondo musical rítmico conocido con la voz inglesa beat. Los intérpretes de rap son los MC, sigla en inglés de "maestro de ceremonias".

Nombre
La palabra polisémica "rap" /ræp/ aparece en el inglés británico durante el siglo XVI y a partir del XVIII se emplea como sinónimo del verbo "decir". A mediados del siglo XX se comienza a utilizar como equivalente de "conversar" en el dialecto del inglés hablado por los afroamericanos de Estados Unidos y de ahí pasa a usarse para designar al estilo musical.
En ocasiones se propone también como etimología alternativa que la palabra se trata de un acrónimo de Rhythm and Poetry ("ritmo y poesía") o incluso un apócope de rapid ("rápido").

FOTO: Eminem (cantante de rap y hip-hop estadounidense)

Flow
La palabra inglesa flow ("flujo") se utiliza para referirse a los ritmos (cadencia) creados por palabras y sílabas por encima del beat, así como la interacción del esquema o patrón de rimas con el ritmo de fondo. A veces se consideran parte del flow matices tales como la altura, el timbre y el volumen.
Rasgos de la música rap.
Estos rasgos esenciales del rap (en especial todo lo que se refiere a sus letras) tienen su origen en las fórmulas publicitarias emitidas por radio y televisión donde dos o más personas conversaban coloquialmente sobre un producto, combinadas con las remezclas de música disco que los jóvenes negros, hispanos y chicanos empleaban para bailar y divertirse al aire libre en los ghettos. Por ello el rap tuvo en sus comienzos un alcance limitado, pues raras veces penetraba en el ámbito de las discotecas, copadas por temas comerciales también interpretados por negros (como Grace Jones, Chic y Tina Turner).
El tema 'Rapper´s delight', de Sugar Hill Gang, editado en 1979, fue una de las composiciones estrella de este estilo, que se inscribía en el ámbito ecléctico practicado por bandas fundacionales como Afrika Bambaata and The Soul Sonic o el más radical de Grandmaster Flash and the Furious Five. Pero es a partir de los años 90 cuando los álbumes de música rap alcanzan una presencia regular en las listas de éxitos de la revista Billboard y el estilo se diversifica, atrayendo a sus filas de adeptos a músicos blancos.


Hip-Hop

El hip-hop es un movimiento artístico que surgió en Estados Unidos a finales de los años 1960 en las comunidades afroamericanas y latinoamericanas de barrios populares neoyorquinos como Bronx, Queens y Brooklyn, donde desde el principio se destacaron manifestaciones características de los orígenes del hip-hop, por ejemplo, la música (funk, rap, Blues, DJing), el baile (hustle, uprocking, lindy hop, popping, locking) y la pintura (aerosol, bombing, murals, political graffiti).

FOTO: Break dance en la calle

Los cuatro elementos
Afrika Bambaataa puso en circulación el término hip-hop en aquella época, aunque años más tarde KRS One, originario del Bronx, quiso unificar en cuatro los elementos del hip hop: el MCing (rapping), el DJing (turntablism), el breakdancing (bboying) y el graffiti. Hizo esto con la idea de simplificar la definición de hip hop; pero para muchos esto puede resultar incompleto, ya que existen otras manifestaciones que quedarían excluidas de esta clasificación, como el beatbox, los murales, el beatmakin o producción de fondos musicales ('beats'), el popping, el locking el uprocking etc. e incluso otras manifestaciones no relacionadas con la música, como el streetball (baloncesto callejero).
.La unión de dos de los elementos, el MC (Master of ceremony) y el DJ (Disc Jockey), conforman el estilo musical del hip hop: el rap.
.El bboying es el baile popularmente conocido como breakdance. La persona que practica este baile se denomina bboy, bgirl (fly girl). Existe una notoria diferencia entre un bboy y un breaker, el primero baila por cuestiones meramente culturales y por aportar elementos nuevos, inovando y llevando el nivel de dificultad a nuevas dimensiones. El breaker o breakdancero es la persona que baila solamente por ánimo de lucro y ó moda, no tiene conciencia del movimiento hip- hop genéricamente hablando, y no sabe la historia y fundamentos que un bboy debe saber. Aunque, cabe mencionar que algunos bboys de tiempo completo, trabajan haciendo publicidad ó en tv, pero esto se justifica por los grandes avances que han dado a la cultura, no solamente dando exhibiciones para la gente sino contribuyendo con la creación de nuevos estilos.
.El graffiti es la rama artística (pictórica) de esta cultura aplicada sobre superficies urbanas. La estética de los graffitis ha influido en la historieta (como en las tiras de The Boondocks) y en el diseño de ropa, portadas de discos y otros objetos. Quienes practican esta faceta se denominan writers (escritores). Hay otros estilos de graffiti que no tienen por qué formar parte del graffiti en la cultura hip hop. Son: radical & political graffiti, street art & post graffiti (o sea, graffiti sobre política) y graffiti generado por ordenador.

FOTO: MC del grupo de Rap senegalés Darra J. Obsérvese la ropa ancha y holgada

Historia

ORIGEN.
El hip hop como música surgió a finales de los años 1960, cuando las fiestas callejeras o "block parties" se volvieron frecuentes en la ciudad de Nueva York, especialmente en el Bronx, debido a lo poco accesibles que resultaban para su gente los clubes y discotecas que había en zonas pudientes de la Gran Manzana, como The Loft y Studio 54. Las fiestas callejeras se acompañaban de funk y soul, hasta que los primeros DJ's empezaron a aislar la percusión y extenderla, puesto que la canción se volvía más bailable. Esta técnica ya era común en Jamaica (en la música dub), lo que propició que la comunidad inmigrante jamaiquina participase en dichas fiestas. Esta adaptación de beats más tarde fue acompañada con otra nueva técnica fresca llamada rapping (una técnica de canto rítmica y basada en la improvisación).
Una figura destacada, considerada por muchos como el padre del hip hop, es DJ Kool Herc, que ocasionó, junto a otros DJ's como Grandmaster Flash, que dos de los elementos del hip hop nacieran y se desarrollaran. Por una parte, se creó la figura del "Maestro de ceremonias" (abreviado MC), que era el que presentaba al DJ. Poco a poco, la figura del MC fue adquiriendo más importancia, ya que recitaba sobre los beats (ritmos de hip-hop) con textos cada vez más ingeniosos. Al mismo tiempo, se empezó a bailar, reservando el mejor movimiento de baile para cuando la canción se paraba momentáneamente (es decir, cuando hacía un break). Este fenómeno originó el término B-boy (break-boy), que sería "el chico que usa el break", y así nació el movimiento breakdance.

FOTO: Grafiti

A pesar de que los graffitis ya se realizaban en los años 1960 por razones políticas, no se incluyeron en la cultura hip hop hasta que, en los años 1970 y 1971, la ciudad innovadora en cuanto a grafitis dejó de ser Filadelfia, tomando el puesto Nueva York con los writers (escritores), llamados así por pintar, sobre todo, grandes letras de colores con sus seudónimos. Entre ellos, los escritores más destacados fueron Phase 2, Seen y Futura 2000.
El graffiti rápidamente se hizo un hueco en la cultura, puesto que no sólo permitía decorar las paredes con el nombre o el grupo del propio grafitero sino que también se empezaron a hacer graffitis que nombraban a crews o grupos de breakdancers, y a DJ's o MC's, a la vez que se pintaban las zonas donde se organizaban las famosas Block parties.

LOS 71
Con técnicas como la mezcla de audio (proceso utilizado en la grabación y edición de sonido) y el scratching, junto con las interrupciones o breaks, se fueron creando elementos distintivos que denotaban que quedaba muy poco del original funk o disco con el que se empezó. En un primer lugar, Herc se centró en labores de DJ, y empezó a trabajar con dos MC's, Coke La Rock (esta fue la primera crew de MC's, Kool Herc & the Herculoids). Poco a poco, estos raperos se dieron a conocer entre el público, y más tarde empezaron a surgir MC's más variados, con un enfoque vocal y rítmico marcado y personalizado, incorporando rimas con un mensaje conciso, a menudo, con temas sexuales o escatológicos, en un intento de diferenciarse ellos mismos y entretener a la audiencia. Además, también incorporaron rimas y letras procedentes de la cultura afroamericana, como The Dozens (Los montones), una tradición afroamericana según la cual dos rivales, generalmente del sexo masculino, se intercambian insultos en una competición verbal, faltando al respeto a la familia del contrario y principalmente a la madre y a la hermana o ofender como sea posible, dando muestras de gran agilidad mental y oral. El objetivo del juego es demostrar la fortaleza emocional, siendo el perdedor aquel de los contrincantes que primero se encoleriza. The Dozens tiene sus orígenes en el mercado de esclavos de Nueva Orleans.
Mientras Kool Herc & the Herculoids fueron los primeros en adquirir mayor fama en el Nueva York de los años setenta, otros grupos de MC's brotaron de todos los rincones. A menudo, estas fueron colaboraciones entre antiguos gángsters, como Afrika Bambaataa, un ex miembro de los temidos "Black Spades" para después ser fundador y cabecilla de la Universal Zulu Nation. Esta sería la primera manifestación de una organización de los ahora conocidos cuatro elementos de la cultura (graffiti, DJ, MC y B-boying) en una sola fuerza que reemplazara con creatividad las anteriores batallas de violencia pandillera.

FINALES DE 1970: DIVERSIFICACIÓN DE ESTILOS
A mediados de los 70, el hip hop se dividió en dos campos. Uno adaptaba como base la música disco, centrándose en el baile y la excitación del público. Entre estos DJ's, destacan Pete DJ Jones, Eddie Cheeba, DJ Hollywood y Love Bug Starski. El otro bando se caracterizaba por rimas rápidas y una compleja combinación de efectos y ritmos. Esta división incluía a Afrika Bambaataa, y Grandmaster Flash.
La explosión de insólita creatividad que estalló en los "ghettos" neoyorquinos y el fanatismo de muchos jóvenes (principalmente negros y latinos) por el rap, no pasó inadvertido para cazatalentos como Russell "Rush" Simmons (manager de raperos pioneros como Kurtis Blow, Spoonie Gee y Jimmy Spicer) y notablemente la ex cantante soul y productora Sylvia Robinson, quien, haciendo caso de las sugerencias de su hijo Joey Jr., se empeña en formar un trío de MC's con la finalidad de grabar un disco para su propio sello Sugar Hill Records. El resultado fue el mítico "Rapper's Delight" de The Sugarhill Gang; que fue un éxito rotundo en EE.UU., Canadá e Israel.
Otros que se arriesgaron con las grabaciones comerciales de rap fueron Bobby Robinson y su sello Enjoy ("Superrappin" de Grandmaster Flash & The Furious Five, Disco Four, Funky Four Plus One) y Paul Winley quien grabó el debut de Afrika Bambaataa llamado "Zulu Nation Throwdown, pts 1 & 2".
Claro está, a comienzos de los años ochenta, muchos sintieron que el hip hop era una moda pasajera que pronto desaparecería. Este tópico sonó durante los siguientes 15 años, pero nada de eso sucedió. Todo lo contrario.
Con la llegada del hip hop a finales de 1970, los mejores elementos y técnicas del género estuvieron en su lugar. Aunque todavía no había llegado al "mainstream" (corriente principal) de popularidad, pegó fuerte entre los afroamericanos, incluso fuera de Nueva York. Ejemplos de ello encontramos en Los Ángeles con Captain Rapp, Washington, Baltimore, Dallas, Kansas City, Miami, Seattle, St. Louis, Nueva Orleans o Houston.
Philadelphia ha sido, durante muchos años, la única ciudad cuya contribución al hip hop fue evaluada positivamente por los puristas y críticos de Nueva York. La primera grabación data de 1979, "Rhythm Talk", de Jocko Henderson. El estilo se popularizó tanto que el New York Times apodó a Filadelfia la "Capital del mundo del Graffiti" en 1971, debido a la influencia de legendarios grafiteros como Cornbread. La primera artista femenina en grabar rap fue Lady B. ("To the Beat Y'All", 1980), en la emisora de radio de la localidad, WHAT. Después, Schoolly D ayudó inventando lo que posteriormente sería conocido como gangsta Rap, allanando el camino a los gángsters de la costa oeste.

LOS 80
Durante la década de los 80 se produjo una intensa y compleja diversificación en el género. Las historias simples de los MC's de los 70 fueron reemplazadas por raperos más líricos, metafóricos y complejos, que rimaban sobre complejos beats. Si bien aún se consideraba la música rap como un fenómeno 'underground' que se relacionaba más con los sellos independientes; los cambios vinieron con el contrato suculento que el sello Mercury hizo firmar al MC de Harlem, Kurtis Blow, quien en 1980 con "The Breaks" alcanzó un enorme éxito, y se convirtió en el primer rapero en pertenecer a un sello multinacional. De hecho, llegó a ser una estrella pop, cuya aparición en un anuncio de Sprite, lo convirtió en el primer artista de hip hop considerado importante para representar un producto especial, además de ser calificado por la audiencia del hip hop como un récord en ventas.
Antes de 1980, el hip hop era desconocido fuera de los Estados Unidos. Pero durante esta década, empezó a expandirse a todos los habitantes del continente y se convirtió en parte de la escena musical en docenas de países. A principios de la década, el movimiento breakdance se convirtió en el primer aspecto de la cultura del hip hop en llegar a Alemania, Japón y Sudáfrica, donde el grupo Black Noise estableció esta práctica. Mientras tanto el hip hop fue lanzado en Francia (Dee Nasty en 1984 con "Paname City Rappin") y en Filipinas (Dyords Javier con "Na Onseng Delight" y Vincent Dafalong's con "Nunal"). En Puerto Rico, Vico C se convirtió en uno de los primeros raperos de habla hispana, junto al norteamericano de origen mexicano Kid Frost.

FOTO: LL Cool J fue uno de los raperos más exitosos de los 80

POPULARIZACIÓN E INFLUENCIA MUNDIAL
Pese a que aún faltaba tiempo para su masificación, cosa que recién sucedió a principios de los años ochenta, las innovaciones del Bronx lograron cierta influencia en la música comercial (por ejemplo, el rap que aparece a mitad del tema disco "Everybody Salsa" de Modern Romance, pero especialmente en el área Punk/New wave como "The Magnificient Seven" de The Clash y Debbie Harry, del grupo Blondie, que firmó la primera colaboración de raza blanca en un hit del género con "Rapture", donde en su letra menciona halagos a Grandmaster Flash y a Fab 5 Freddy. De hecho, las similitudes entre la escena punk y el hip hop son claras, por ejemplo en la asimilación de la filosofía del "Do it yourself" (Hazlo tú mismo), para paliar la falta de oportunidades. Tanto así que el ex manager de los Sex Pistols, el ambicioso Malcolm McLaren, no dudó en promocionar esta nueva revolución urbana en su disco "Duck Rock" de 1983, con Electro y Scratch incluidos; donde el vídeo de su principal sencillo, "Buffalo Gals", significó para muchos jóvenes británicos el primer encuentro con los 4 elementos del hip hop.
El hip hop se usaba para denunciar actos, normalmente políticos, que conseguían el rechazo o la enemistad de entidades como el gobierno. Se cree que popularizar la cultura del hip hop y comercializarla era una manera de canalizarla hacia las masas y así esconder su verdadera función: sus básicas denuncias al sistema.[5] Aún así, a mediados de la década de los ochenta florecieron artistas que alcanzaron éxito comercial como Kurtis Blow (Kurtis Blow), Whodini (Haunted House Of Rock, Escape), LL Cool J (Radio, Bad) y especialmente Run-D.M.C. (Raising Hell), El Radio de LL Cool J también nos dejó algunos hits de pista de baile como "I Can Give You More". En 1986 dos temas del género se colaron en el Top 10 de Billboard. Estos fueron el "Walk This Way" de Run-D.M.C. con la colaboración de Aerosmith, y el "(You Gotta) Fight for Your Right (To Party!)" de los Beastie Boys, el primer grupo blanco de hip hop. La colaboración de Run-D.M.C. con la banda de hard rock Aerosmith en "Walk This Way" fue un primer ejemplo de las fusiones de rock pesado y hip hop. Además, durante la misma época, se vio el primer exitoso surgimiento de un grupo femenino negro, Salt-N-Pepa, quien llegó a las listas con sencillos como "The Show Stoppa" en 1985. El seminal "6 n' Da Mornin" de Ice-T (1986) es uno de los primeros éxitos nacionales en cuanto a singles de la costa oeste, y se considera a menudo como el comienzo del hip hop gangsta, coincidiendo con el "PSK What Does It Mean" de Schoolly D.
En 1987, Public Enemy publicó su primer álbum (Yo! Bum Rush the Show) en Def Jam, una de las compañías discográficas más importantes del hip hop, fundada por Russell Simmons y el productor Rick Rubin, en el año 1984, y Boogie Down Productions, dio continuación en 1988 con By All Means Necessary; ambas grabaciones promovieron una ola de artistas severamente politizados, entre los cuales estuvieron Just Ice, Paris y Disposable Heroes con el actual líder de Spearhead, Michael Franti. A finales de la década surgieron raperos de ideas similares en ambas costas, y el LP It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back de Public Enemy se convirtió en un éxito total a pesar de su tono militante y de confrontación (llegó al número 1 Rhythm and Blues en EUA a finales del 88). Además de las innovaciones líricas, el equipo de producción Bomb Squad de Public Enemy (junto con DJ Mark The 45 King y Prince Paul entre otros) promovieron nuevas técnicas en el uso de samples.
Difusión del hip hop dentro de Estados Unidos
A finales de los 70, el Hip hop era fundamentalmente conocido en las mayores ciudades del país, desarrollándose en numerosas regiones estilos y variantes. Fuera de Nueva Jersey, Filadelfia y Nueva York, ésta última cuna del género, el Hip hop vio una intensa diversificación regional.
La primera grabación de Hip hop en Chicago fue el tema "Groovy Ghost Show" de Casper, publicado en 1980, mientras con Caution y Plee Fresh comenzaba a sonar un sonido muy distinguido allá por 1982. Esta ciudad también vivió el desarrollo de la música House a comienzos de 1980, que pronto comenzó a mezclarse con Rap, dando lugar al Hip house, para así ganar más popularidad en la franja que va de finales de 80 a principios de 90 con artistas como Tyree, Fast Eddie y los europeos Technotronic (Bélgica) y Snap (Alemania).
Para la Costa Oeste, el rapero Hardcore de Los Ángeles, Ice-T, y el artista Electro hop, Egyptian Lover, comenzaron a grabar en 1983, aunque el honor de la primera grabación corresponde a Disco Daddy & Captain Rapp con "Gigolo Rapp" en 1981. En Miami, pegaba fuerte el Miami bass, una forma sensual de Dance, que surgió del electro de Los Ángeles electro. El estilo, normalmente, incluye rapeo, que catapultó a los 2 Live Crew polémicamente famosos por sus obscenas letras y performance. En Washington D.C. también emergió una forma de Dance influido por el Hip hop llamado Go go, que incorporaba percusión latina como timbales y cuyos principales exponentes fueron Trouble Funk.

FOTO: Coolio entró en la historia con su "Gangsta's Paradise"

LOS 90
En esta década, el Gangsta Rap se convirtió en todo un fenómeno, comenzando en 1992 con la publicación de The Chronic de Dr. Dre. Este álbum estableció un estilo denominado G Funk, que pronto dominaría la costa oeste, tambien en esta decada se destaca el pricipal expositor del subgenero gansta rap 2pac shakur, que con sus temas todo el rap de la costa oeste se levanto, uno de sus mejores sencillos es HIT'EM UP en la que trabaja con el grupo outlaws se dirige a sus enemigos principales, como lo era notorius BIG, y 2pac entro a la historia del rap con su cancion mas conocida california love en la cual trabaja con Dr dre. Transcurrida la década, las discográficas con sede en Atlanta, St. Louis o Nueva Orleans ganaron fama local. Uno de los productores de Hip hop más destacados fue DJ Premier del dúo Gang Starr. A finales de los 90, especialmente con el ascenso al estrellato de Eminem, el Hip hop fue parte íntegra de la música popular, su música llegaba a todo el mundo, sin entender de razas ni culturas. Pronto, la música Pop añadió toques y componentes del Hip hop, dado su éxito.

FOTO: Ice Cube ex-integrante del grupo NWA

A mediados de década, el grupo The Fugees saltó a la fama con su segundo álbum "The Score", multi-platino que ganó 2 Premios Grammy. Estaba compuesto por los raperos Wyclef Jean, Pras Michel y Lauryn Hill, teniendo a la postre, esta última, un gran éxito en su carrera en solitario. Sus mezclas con el soul y la música caribeña, además de sus ascendencias haitianas, fueron el ingrediente principal en el éxito del grupo. "Killing Me Softly With His Song", un tema que sampleaba la canción de Roberta Flack.
Otro grupo que causó gran impacto fue Bone Thugs-N-Harmony, llegando a colocar su sencillo "The Crossroads" varias semanas en lo más alto de las listas de sencillos.

FOTO: Busta Rhymes en un concierto de Las Vegas

A lo largo de la década y en 2000, diversos elementos del Hip hop se fueron asimilando a otros géneros, como el neo soul, por ejemplo, que combina Hip hop y Soul. Mientras tanto, en la República Dominicana, Santi Y Sus Duendes y la rapera boricua Lisa M firmaron el primer sencillo de MerenRap, una fusión, como su nombre indica, de Merengue y Rap. Aun que los verdaderos explotadores del subgénero fueron Proyecto 1 y Sandy & Papo. Por otro lado en Puerto Rico nace el Reggaeton que es una fucion de elementos ritmicos jamaiquinos con el elemento del rap.

FOTO: Nas deslumbró con su debut Illmati

A pesar de que ya el Hip Hop era un movimiento mundial, no es hasta el principio de la decada de 2000 que el rap de habla hispana se hace notar. Gracias a los diferentes grupos y artistas en latino america en Cuba: Obssesion, Doble Filo, Los Aldeanos etc... En Puerto Rico: El No Mel Syndicate, Siete Nueve, Vico C, Tempo, Tek One y Vanguardia Subterranea, en Mexico: Skool 77, Control Machete, Bocafloja, Redencion y Akil Ammar entre otros.
En Europa, África y Asia, el Hip hop pasó de la escena Underground al fenómeno Mainstream, llegando a los oídos de todo el mundo.



50 Cent

Origen
Curtis James Jackson III, nacido el 6 de julio de 1975 en la ciudad neyorquina de Queens, Estados Unidos, y conocido profesionalmente como 50 Cent, es un cantante de rap y hip-hop estadounidense. Alcanzó la fama con los masivos éxitos comerciales de sus álbumes “Get rich or die trying”, “Before I self destruct”, “The massacre” y su nuevo álbum “Curtis”, todos vendidos con más de 15 millones de copias en todo el mundo.

FOTO: 50 Cent (cantante de rap y hip-hop estadounidense)

Curtis “50 Cent” Jackson es conocido por su imagen gangsta y por haber sido disparado nueve veces, habiendo salvado su vida en todas las ocasiones. Curtis creció en un popular boulevar conocido como South Jamaica, en su ciudad natal. Creció y se crió bajo la pobreza. Nunca conoció a su padre y su madre murió cuando tenía 8 años, por lo que tuvo que ser cuidado por sus abuelos Mark y Juliette. Desde pequeño se vio expuesto al mundo de las drogas y la delincuencia, la manera que tenía de sobrevivir.
50 Cent era conocido en su barrio como the young Cesar (el joven César), ya que era reconocido por ser un chico peligroso: por vender drogas, por tener armas y por llevar mucho dinero en efectivo a su escuela, de la cual fue corrido innumerables veces.
Desde pequeño se sentía atraído por el rap, por lo cual comenzó a rapear en pequeños lugares, no en conciertos aún; sin embargo, productores descubrieron su talento y lo contrataron, fue así como empezó a ganar reconocimiento y fama.
Pero el verdadero éxito lo tuvo cuando Eminem y Dr. Dre (famosos raperos) le ofrecieron un contrato, que no dudo en aceptar. Fue entonces cuando lanzó su canción “Wanksta”, que lo llevó directo a la fama.
Luego se formó G-Unit (integrado principalmente por 50 Cent, Lloyd Banks, Young Back y Tony Yayo).
También hizo una película titulada “Get rich or die tryin”, con ciertos aspectos biográficos.

La popularidad de G-Unit
La primera semana de lanzamiento, su álbum debut “Get rich or die trying” vendió muchísimas copias y fue consagrado con el certificado de oro en su primera semana y platino en la siguiente. Ganó0 el premio PEPSI humana. El 12 de abril de 2004, dicho disco fue seis veces platino según la Lloyd Banks, Tony Yayo y Young Buck como miembros establecidos de G-Unit. Más adelante, Dr. Dre y 50 Cent firmaron a The Game. Tras la salida de éste, Olivia y Mobb Deep se incorporaron a G-Unit Records. Tras el fichaje de Mobb Deep, los artistas Spider Loc, M.O.P. y Hot Rod firmaron por G-Unit también. 50 Cent ha expresado su deseo de trabajar con otros artistas no relacionados con G-Unit como LL Cool J, Mase de Bad Boy Records, o Freeway de Roc-A-Fella Records.

FOTO: 50 Cent (Curtis James Jackson III)

G-Unit es uno de los principales grupos mundiales de Gangsta rap, y lanzó su álbum "Beg for mercy", con canciones de 50 Cent, Lloyd Banks, Young Buck y colaboraciones de Tony Yayo. Hoy en día, Young Buck no pertenece a G-Unit, y ha tenido controversias con la misma banda. La reputación de Young Buck bajó, mientras la de G-Unit subía. Además del completo éxito de su música como grupo y sello discográfico, G-Unit, cuenta con una marca de ropa propia y una línea de zapatillas deportivas.

Promociones
Tras el lanzamiento de Beg For Mercy de su grupo G-Unit, se unió a Reebok para el lanzamiento de sus propias zapatillas llamadas G-Unit Sneakers. También ha invertido en VitaminWater, una marca de agua embotellada, y en su propia línea de ropa. 50 Cent, además, apareció en el capítulo de Los Simpson titulado “Pranksta rap” (“Broma-Rap” en español), parodia de su canción “Wanksta rap” (gangster rap).
En una ocasión, Rockstar Games le ofreció a 50 Cent un empleo. Debía hacer la voz para el personaje principal de su nuevo juego: “GTA: San Andreas”, pero se negó y dijo que él sólo haría su propia voz. Así, sacó un videojuego conocido como “50 Cent: Bulletproof” (PlayStation 2, Xbox y PSP). En febrero de 2009 lanzó otro videojuego titulado “Blood on the Sand” (PS3 y Xbox 360). Aún así tuvo su participación en “GTA: San Andreas”, no como un personaje ni como la voz de alguno, ni tampoco en el mismo juego, sino en un parche de este juego, creado por la empresa de juegos francesa PTMG.

FOTO: 50 Cent en un anuncio de zapatillas deportivas Reebok

50 Cent ha grabado su propia película autobiográfica, donde él se describe a si mismo y relata su vida. El titulo de la película es “Get Rich or Die Tryin”, dirigida por Jim Sheridan, y en la que aparecen los actores Joy Bryant y Terrence Howard. También actúa en la película, “Home of the Brave”, con Samuel L. Jackson. Aquí es donde hace el papel de un soldado, después de su regreso de una misión en Bagdad. En el año 2008, trabajó con Robert de Niro y Al Pacino, en un film titulado “Asesinato justo”, donde le dan un papel protagónico junto a las estrellas de cine mencionadas. También tiene un papel junto con Nicolas Cage en la película “The Dance”, aún por estrenar.
50 Cent ha lanzado una memoria sobre su vida titulada “From Pieces to Weight: Once Upon a Time in Southside Queens”. En 2007, lanzó un libro autobiográfico escrito por él, llamado "50x50".
En el año 2008, creó un Reality Show en el canal musical MTV titulado "50 Cent: the Money and the Power", donde buscaba a alguien que se hiciera cargo de su dinero.

FOTO: 50 Cent

Discografía
Los álbumes oficiales en los cuales ha participado 50 Cent, son los siguientes:

.“The Power Of The Dollar” (año 1999).
.“Guess Who's Back LP” (año 2002).
.“Beg For Mercy” (con G-Unit) (año 2003).
.“Get Rich Or Die Tryin” (año 2003).
.“The Massacre” (año 2005).
.“Bulletprooft” (año 2006).
.“Get Rich Or Die Tryin” (BSO) (año 2006).
.“Curtis” (año 2007).
.“TOS: Terminate On Sight” (con G-Unit) (año 2009).
.“War Angel” (año 2009).
.“Forever King” (año 2009).
.“Before I Self Destruct” (año 2009).

Los sencillos en los cuales ha participado son los siguientes:

.“Thug Love”, del álbum “The power of the dollar” (año 1999).
.“How to rob” (año 1999).
.“Wanksta”, del álbum “8 mile” (BSO) (año 2002).
.“In da Club”, del álbum “Get rich or die trying” (año 2002).
.“Patiently Waiting”, del álbum “Get rich or die trying” (año 2003).
.“21 questions”, del álbum “Get rich or die trying” (año 2003).
.“P.I.M.P.”, del álbum “Get rich or die trying” (año 2003).
.“What up Gangsta”, del álbum “Get rich or die trying” (año 2003).
.“If I can´t”, del álbum “Get rich or die trying” (año 2003).
.“Westside Story”, del álbum “The Documentary” (año 2004).
.“How we do”, del álbum “The Documentary” (año 2004).
.“Hate it or love it”, del álbum “The Documentary” (año 2004).
.“Disco Infierno”, del álbum “The massacre” (año 2005).
.“Candy Shop”, del álbum “The massacre” (año 2005).
.“Piggy Bank”, del álbum “The massacre” (año 2005).
.“Just a Lil Bit”, del álbum “The massacre” (año 2005).
.“Outta control”, del álbum “The massacre” (año 2005).
.“My toy soldiers”, del álbum “The massacre” (año 2005).
.“Hustlers ambition”, del álbum “Get rich or die trying (sound track)” (año 2005).
.“Window shopper”, del álbum “Get rich or die trying (soundtrack)” (año 2005).
.“Have a party”, del álbum “Get rich or die trying (soundtrack)” (año 2005).
.“Best friend”, del álbum “Get rich or die trying (soundtrack)” (año 2006).
.“Funeral music” (año 2007).
.“Straight to the Bank”, del álbum “Curtis” (año 2007).
.“Amusement Park”, del álbum “Curtis” (año 2007).
.“I get money”, del álbum “Curtis” (año 2007).
.“Ayo Technology”, del álbum “Curtis” (año 2007).
.“Follow my Lead”, del álbum “Curtis” (año 2007).
.“Come & Go”, del álbum “Curtis” (año 2007).
.“Get up”, del álbum “Before I self destruct” (año 2008).
.“Baby by me”, del álbum “Before I self destruct” (año 2009).
FOTO: Curtis James Jackson III



Video y letra de "21 Questions" de 50 Cent.



21 Questions

New York City!
You are now rapping...with 50 Cent
You gotta love it...
I just wanna chill and twist a lot
Catch suns in my 7-45
You drive me crazy shorty I
Need to see and feel you next to me
I provide everything you need and I
Like your smile I don't wanna see you cry
Got some questions that I got to ask and I
Hope you can come up with the answers babe 099 644 333

Girl...It's easy to love me now
Would you love me if I was down and out?
Would you still have love for me?
Girl...It's easy to love me now
Would you love me if I was down and out?
Would you still have love for me?
girl...

If I feel off tomorrow would you still love me?
If I didn't smell so good would you still hug me?
If I got locked up and sentenced to a quarter century,
Could I count on you to be there to support me mentally?
If I went back to a hoopty from a benz, would you poof and disappear like some of my friends?
If I was hit and i was hurt would you be by my side
If it was time to put in work would you be down to ride?
I get out and peel a nigga cap and chill and drive
I'm asking questions to find out how you feel inside
If I ain't rap cause I flipped burgers in burger king
Would you be ashammed to tell your friends you feelin me?
And in bed if I used me tongue would you like that?
If i wrote you a love letter would you like that?
Now we can have a lil' drink, you know a night cap
And we could go do what u want I know you like that

Girl...It's easy to love me now
Would you love me if I was down and out
Would you still have love for me
Girl...It's easy to love me now
Would you love me if I was down and out
Would you still have love for me
girl...

Now would you leave me if your father found out that i was thuggin?
Do you believe me when i tell you, you the only one i'm lovin?
Are you mad cause i'm asking you 21 questions?
Are my soulmate? Cause if so, girl your a blessin
Do you trust me enought to tell me your dreams?
I'm staring at ya' tryin to figure how you got in them jeans
If I was down would you say things to make me smile?
I treat you how you want to be treated just teach me how
If I was with some other chick and someone happened to see?
And when you asked me about it I said it wasn't me
Would you believe me? Or up and leave me?
How deep is our bond if that's all it takes for you to be gone?
And always remember gurl we make mistakes, to make it up i do whatever it take
I love you like a fat kid love cake
You know my smile I say anything to make you smile

Girl...It's easy to love me now
Would you love me if I was down and out
Would you still have love for me
Girl...It's easy to love me now
Would you love me if I was down and out
Would you still have enough love for me
girl...

Could you love me in a bentley?
Could you love me in a bus?
I'll ask 21 questions, and they all about us
Could you love me in a bentley?
Could you love me in a bus?
I'll ask 21 questions, and they all about us


Comentario personal (acerca de "21 Questions"):

En este video podemos observar las principales características del rap, el hip-hop, y el entorno de estos géneros: donde no falta el dinero, las drogas, la violencia… y más violencia.
La letra habla de un hombre (50 Cent) que le hace veintiún preguntas (“21 Questions”) a su pareja, preguntándole si lo amaría aún si fuera pobre o estuviera en un mal momento, o no tuviera fama, etc.
En el video, está él contando dinero (que deducimos es producto de una labor ilegal), cuando llega la policía. Intenta esconder el dinero en un lugar seguro, pero aún así la policía lo lleva a la cárcel.
En prisión observamos la violencia y la corrupción que abunda en esos ámbitos, y 50 Cent es atacado especialmente por otro recluso.
Cuando Curtis se comunica con su pareja o cuando ella va a verlo y se hablan, él le hace las preguntas a las cuales antes nos referimos.
Al término del videoclip, nos damos cuenta que la policía no lo había atrapado a él, había atrapado a otro señor, que vive cerca de la casa en la que él está: ese señor es el mismo recluso que lo agredía en la cárcel.
El termina, aliviado junto a su pareja., mirando por la ventana como meten al otro hombre en la patrulla.
Por tanto, todo es en realidad una situación hipotética en la que 50 Cent se imagina en una peor situación, situación en la cual su mujer ¿lo acompañaría y apoyaría?


Comentario general:

Concluimos finalmente que los dos géneros estudiados (el rap y el hip-hop) son complementarios y ambos no son sólo música, sino que son la expresión de una cultura que nación en Estados Unidos, pero que venía de África, traída por los afrodescendientes.
Observamos como las bandas que conocíamos o que conocimos haciendo este trabajo, mezclan ambos géneros, creando una música muy linda y muy vendida también.

Nos gustó mucho hacer este trabajo debido a que con él aprendimos muchas cosas. Jamás nos habíamos imaginado que el rap o el hip-hop tuvieran una historia tan interesante y tan entrelazada el uno con el otro.



Este trabajo fue elaborado por los alumnos Matilde Gómez y Ezequiel Núñez (3º A) para la materia Educación Musical, siendo el tema del trabajo la Música norteamericana.

sábado, 20 de junio de 2009

Música centroamericana: Ska

El ska es un género musical originado a finales de la década del `50 en Kingston, Jamaica y popularizado durante la primera mitad de los años `60, que deriva principalmente de la fusión de la música negra norteamericana(1) de la época con ritmos populares caribeños, siendo el antecesor directo del rocksteady(2) y luego de reggae(3). Al ser un género característicamente apto para fusiones, ha sido incorporado, a través de distintas variantes, a los más diversos lenguajes musicales. Desde un principio, las versiones ska de populares composiciones para cine y televisión perfilaron su particular identidad, entre callejera, nostálgica y “misteriosa”, característica que conservaría a través de las épocas. Estuvo fuertemente asociado a los Rude Boy(4) y a la independencia de Jamaica del Reino Unido, aunque se hizo popular en todo el mundo desde muy poco tiempo después de su nacimiento. Sus orígenes musicales son el mento(5), calipso(6), rhythm & blues(1) y el jazz(7).


FOTO: Logo de SKA

Los instrumentos que se utilizan comúnmente en este género son los siguientes:

-Instrumentos de viento-metal (instrumentos musicales de viento compuestos por un tubo de metal, que puede estar doblado o recto, una boquilla y una campana en el extremo opuesto a la boquilla. Aunque estos instrumentos están fabricados en metal, la mayoría de ellos tienen antecesores tomados de la naturaleza, como las caracolas, ramas huecas o cuernos de unos animales)

-Instrumentos de percusión (tipo de instrumento musical cuyo sonido se origina al ser golpeado o agitado)

-Contrabajo (instrumento musical de voluminoso tamaño por ser el que produce los sonidos más graves. Tiene generalmente cuatro cuerdas, pero también los hay de cinco)

-Guitarra (instrumento musical de cuerda pulsada, compuesto de una caja de madera, un mástil sobre el que va adosado el trastero, generalmente con un agujero acústico en el centro de la tapa y seis cuerdas. Sobre el trastero van incrustados los trastes, que permiten los diferentes tonos)

-Bajo (también llamado guitarra baja, es un instrumento de cuerdas, pulsadas fundamentalmente con los dedos índice, medio y pulgar de la mano derecha, o mediante el empleo de púa)

-Organo Hammond (es un instrumento musical basado en los principios del electromagnetismo y de la amplificación a través de altavoces individuales, creado por el inventor estadounidense Laurens Hammond)

-Teclado (instrumento de teclado que generalmente puede reproducir muchos sonidos, similares o no a los que producen otros instrumentos. En algunos casos, su funcionamiento se basa en mecanismos eléctricos, electrónicos o digitales que crean los sonidos)


FOTO: Show de ska, 2009

HISTORIA:

El origen

Después de la II Guerra Mundial el Imperio Británico se encontraba en una situación particularmente difícil. Es por eso que este se ve obligado a independizar sus colonias. Ya para 1962 Jamaica como país independiente empieza a ver reflejado un nuevo optimismo en su cultura y música proveniente de las masas recién liberadas.
Dicho optimismo esta caracterizado por el nacimiento de un gran numero de bandas que adoptaban y adaptaban muchos de los estilos musicales provenientes de Estados Unidos.
El ska nace en Kingston, la capital de Jamaica, finalizando la década de 1950, en el momento en que la población comienza a urbanizarse. En las ciudades los habitantes se congregaban en plazas donde sonaban las últimas novedades estadounidenses de jazz, soul y, sobre todo, rhythm & blues. En un principio se trataba de furgonetas con ruidosos y primitivos equipos de sonido. Los sound systems no tenían otro remedio que hacer sonar música de Estados Unidos, puesto que la industria musical jamaiquina era inexistente. Salvando algunas cintas de mento de Stanley Motta, hasta 1954 no aparece el primer sello musical, Federal, que, además, está orientado hacia la música estadounidense. Sus propietarios se desplazaban a Miami o Nueva Orleans en busca de material nuevo con el que satisfacer la gran demanda musical que había en la isla.


FOTO: Grupo Mentados, Palmares 2009

Ya antes de ser declarada un estado independiente, bandas como Eric Deans Orchestra (con el trombonista Don Drummond y el guitarrista Ernest Ranglin en primera línea) basaban su música en los estilos de Count Basie, Duke Elington, Glen Miller y Woody Herman.
Sin embargo en Estados Unidos las grandes bandas estaban siendo remplazadas por formaciones un poco más pequeñas, orientadas hacia el blues.
Mas tarde esta nueva moda llega a Jamaica y es adaptado por los sound systems de Sir Nick the Champ, the Blues Blaster, entre otros. Duke "the Trojan" Reid y Clement "Sir Coxsone" Dodd y Vincet "King" Edwards fueron piezas clave en la evolución del sound system jamaiquino de 1950.
Hacia 1950 el jazz, el rythm & blues y el mento son fusionados por las bandas de la época, dando forma a un nuevo estilo de música llamada "Shuffle", la cual se vuelve popular gracias a bandas como the Overtakers, Neville Esson y the Matador Allstars.
Es gracias a este nuevo ritmo que se da un auge tanto en el nacimiento de estudios de grabación y compañías como en la búsqueda de nuevos talentos que llenaran las necesidades del creciente publico.
Otro personaje importante fue Cecil Campbell, conocido después como Prince Buster, quien fue el primero en tener la visión y darse cuenta de la necesidad de un nuevo estilo. Es así como recomienda a su guitarrista (Jah Jerry) enfatizar el sobretiempo, es decir no en el golpe rítmico, sino después de este. Es así como nace el Ska.
Los sound systems empiezan a grabar sus propias canciones para ganar ventajas competitivas entre ellos. Para gozar de exclusividad sobre las grabaciones y mantener la exclusividad sobre la clientela, se recurría a trucos como quitar la etiqueta de los discos para que no fueran identificables, o enviar matones (conocidos como "Dance Hall Crashers") a los sound system de la competencia para boicotearlos.
A pesar de la baja calidad de las grabaciones de ska de ese tiempo, los entusiastas de dicho ritmo lo llevaban a un punto de popularidad altísimo. El ska es reconocido como baile y música nacional de Jamaica.


FOTO: Parte de la formación actual de Skatalites. De izquierda a derecha Lester "Ska" Sterling (saxo alto), Karl "Cannonball" Bryan (saxo tenor), Kevin Batchelor (trompeta) y Vin "Don Drummond Jr." Gordon (trombón). En segundo plano Val Douglas (bajo).

El catalizador que inició la carrera musical jamaiquina, fue el después primer ministro Edward Seaga, que en 1958 funda West Indian Records Limited, produciendo música de artistas locales, reinterpretando ritmos estadounidenses. Ese mismo año, Chris Blackwell produce una grabación del aún desconocido Laurel Aitken. Un año después, Duke Reid y Clement Coxsone, viendo la posibilidad de tener grabaciones exclusivas para sus sound systems, fundan sus propios sellos, Treasure Isle y Studio One, respectivamente.
A finales de la década los músicos de Kingston comienzan a experimentar con la fusión de jazz y rhythm & blues estadounidenses con ritmos autóctonos del Caribe, como el mento y el calipso, adaptándolos al gusto de jamaiquino según las tendencias que se imponían en los sound systems.
En 1959 en los estudios Federal se registra el tema Easy Snappin, de Theophilus Beckford, producido por Clement Dodd, con Cluet Johnson al contrabajo y el saxofonista Roland Alphonso, posterior miembro fundador de Skatalites, banda de estudio del sello Studio One. Este tema se podría calificar como la primera grabación de música jamaiquina moderna.
En 1960 Prince Buster terminó de definirlo durante las primeras grabaciones para su sello Wild Bells. La sesión estaba financiada por Duke Reid, que debía quedarse con la mitad de los temas a distribuir. Finalmente solo recibió uno, del trombonista Rico Rodriguez. Entre los temas grabados estaban They Got To Go, Oh Carolina y Shake a Leg. Según el historiador del reggae Steve Barrow, durante aquellas sesiones, Prince Buster pidió al guitarrista Jah Jerry que "cambiara la marcha". El guitarrista empezó a enfatizar el segundo y cuarto compás, dando origen al nuevo sonido. La percusión se obtuvo de los estilos tradicionales jamaicanos y de marchas. Lo que hizo Prince Buster fue invertir los shuffles de rhythm & blues, acentuando los offbeats con la ayuda de la guitarra y un ritmo de batería 4/4, acentuando el segundo y cuarto compás.


FOTO: Tapa del CD recopilatorio “100% Latin Ska – Volumen 1”

Los orígenes del nombre ska son difusos, y las hipótesis inciertas. Los integrantes de la banda Skatalites afirman que ese nombre se tomó del saludo del bajista Cluet Johnson, quien usaba como expresión al ver a sus amigos "Love Skavoovie", a imitación de los hipsters estadounidenses. El guitarrista Ernest Ranglin defendía que era la forma que usaban, tanto él como otros músicos, para describir el sonido que hacía la guitarra, con un "ska! ska! ska!". Es probable que fuera una mixtura de ambas, ya que Cluet Johnson usaba la palabra ska como una forma onomatopéyica de explicar el sonido de esta música.
En 1962 el Ska ya está plenamente asentado como la música por excelencia de Jamaica. En 1964, aprovechando la Feria Mundial de Nueva York se presenta este estilo en sociedad ante el mundo, siendo los elegidos para ello Byron Lee y The Dragonaires, con la ayuda de Prince Buster y Peter Tosh. En ese mismo año, alcanzaba el número 1 en las listas británicas y el 2 norteamericanas de popularidad una versión del éxito de 1957 de Barbie Gaye, My Boy Lollipop, interpretada por Millie Small, con Ernest Ranglin encargado de los arreglos de guitarra, y Rod Stewart, conocido entonces como Rod the Mod, tocando la armónica.
Durante el resto de la década de 1960, se implanta en Europa rápidamente, gracias a la popularidad de la que gozó en el Reino Unido, país al que se trasladaron un gran número de estrellas jamaicanas como Laurel Aitken, Derrick Morgan o Alton Ellis para proseguir allí sus carreras, pues este estilo contaba con una gran aceptación entre la numerosa colonia antillana que había inmigrado a la metrópolis, donde abundaban los Rude Boys sino entre la juventud británica, principalmente entre los mods(8), para después, en la segunda mitad de la década, a medida que el soul americano se hace más pausado y suave, el ska evoluciona paralelamente en rocksteady.
Sin embargo, los intentos de copiar esa música por parte de músicos europeos, dieron unos resultados de no mucha calidad, como las aproximaciones de Georgie Fame. Los intentos en castellano, fueron por lo general mediocres aproximaciones al ritmo original, que no respetaban demasiado el estilo original, y llegaban cuando el ska ya había dejado paso al rocksteady. En la década de 1970 en Latinoamerica, Toño Quirazco, Las Cuatro Monedas y otros versionaron temas clásicos del ska en castellano.

Los Rude Boys

Durante 1964-1967, en Jamaica vivía toda una generación de jóvenes que no había tenido la oportunidad de experimentar el nuevo optimismo generado por la independencia, esto debido a su pésima situación económica y a la falta de empleo.
Estos jóvenes salidos de la clase obrera jamaiquina y marginados por el sistema se comienzaron a identificarse así mismos como Rude Boys. El ser un Rude Boy en ese momento significaba, de alguna forma, ser "alguien" cuando la sociedad les decía que no eran "nadie".
El Ska en esa época era la música de moda y los mismos Rudies adoptaron el estilo de música como propio. Siendo el tema principal de las canciones que salen entre el 1964 y 1967.
La manera en que los Rude Boys bailaban el ska era diferente también: lo hacían más despacio y con una postura más imponente.
Los Rude Boys se conectaban con la gente que vivía fuera de la ley (scofflaws) y esto se reflejaba en su música, sus letras y su manera de vestir. Muy parecidos a algún tipo de Gangster o criminal.
Se formaron muchas pandillas de Rude Boys con serios problemas de actitud. Convirtiendo las calles en verdaderas guerrillas. El contacto que había entre el movimiento Rude y los scofflaws originaba una enorme facilidad para el Rude Boy de adquirir un arma y eso potenciaba la violencia y la lucha entre pandillas en ese tiempo.
Muchos de los jóvenes que llegaban a Kingston en busca de fama y dinero solo se topaban con una vida de crimen y violencia cuando el dinero se les acababa.
La música ska cambia a partir de esto, va reflejando los sentimientos con más tensión en el bajo, a diferencia del estilo previo, el cual era un poco más ligero y libre.
En este periodo los Rude Boys se convirtieron en el centro de atención.
La opinión pública estaba rotundamente en contra de ellos y en contra de las armas. Se pasó una ley con la cual cualquier persona con posesión de armas o municiones seria detenida por un tiempo indefinido.
Esto, naturalmente, influyó en el ska pues los artistas y productores de este tiempo apoyaban las acciones de los Rude Boys.
Canciones como "Lawless street" de los Soul Brothers y "Gunmen coming to town" del grupo The Heptones reflejaban la influencia de este movimiento anti-armas, Muchas otras bandas se sumaron a esto pero con una política contra la lucha entre pandillas de Rude Boys.
Clement Dodd apoyaba a una banda de jóvenes que se auto proclamaban Rude Boys: los Wailers (Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer).
El ska y los rude boys fueron el tema de importancia hasta finales de los ’60 en el que el ska es remplazado por el rocksteady (el cual luego es remplazado por el reggae y a su vez este por el Dub y mas tarde por el Dance hall, etc.

Segunda ola (Two Tone)

En los `70 el ska, gracias a los inmigrantes jamaicanos Rude Bpys, viaja a Inglaterra donde se mezcla con el punk resultando un sonido más rápido y contundente pero manteniendo el estilo alegre y bailable. La ideología de estos nuevos rudies es menos violenta y se enfrentará a la ola de racismo propulsada por la creciente corriente de extrema derecha del país. Los rudies establecieron así una actitud inconformista y anti-sistema que era propia del punk.
Entre finales de los `70 y principios de los `80, en plena era New Wave inglesa, el sello Two Tone (entre otros) dio a conocer a algunos de los grupos más famosos internacionalmente. Tales fueron Madness, Specials (cuyo tecladista Jerry Dammers fundaría el sello Two Tone), The Selecter o Bad Manners. Otros exponentes de la época, con diferentes estilos, fueron The Bodysnatchers, Rhoda Dakar, The Beat (llamada The English Beat en Estados Unidos), entre otras.


FOTO: Madness fue una de las bandas punteras de la segunda ola.

Bandas como The Coventry Automatics empezaron a reutilizar las bases del ska para hacer música. Esta banda se llegaría a convertir en todo un símbolo de la época al luego cambiarse el nombre a The Automatics, luego The Specials AKA the Automatics, luego solo The Specials AKA y por ultimo The Specials.
A finales de los `60 empezaba la explosión Rocksteady–Reggae y temas como "My Boy Lollypop" de Millie Small (uno de los primeros éxitos en el Reino Unido) y otros de Desmod Dekker y Laurel Aitken empezaban a sonar en las radios inglesas.
La inmigración de Rude Boys jamaicanos crea el movimiento Skinhead(9) al fusionarse con los Hard-Mods de la época.
Nacen bandas como Simaryp (skinhead reggae), los Boot Boys (inicio de los actuales Hooligans), Redskins, el Northern Soul y la explosión reggae a finales de los ‘60.
En la década de los ‘70 un ex-skinhead llamado Jerry Dammers decide crear un movimiento que reviva el Ska con nuevos códigos e ideologías. Así nace en la ciudad de Coventry el sello two tone, The Specials, The Selecter y un pensamiento Rude Boy mucho mas contestatario (y definitivamente menos violento) que el originario de Jamaica luchando contra el creciente racismo y fascismo que trataba de imponer el National Front y otras organizaciones de ultra derecha de esa época con una letras mucho mas sociales (como en las canciones "Why", "Rudeboys out of jail", "Racist Friend" o "Free Nelson Mandela" donde se critica abiertamente el racismo y se habla de esta nueva tendencia Rudie).
Los dos tonos (blanco y negro) representaban un intento de unión racial en una época llena de odio e intolerancia. Walt Jabsco, el logo del sello two tone usaba un traje de vestir negro con camisa blanca, anteojos para el sol, sombrero, medias blancas y un delgada corbata negra. Moda que adoptó la ola de nuevos Rude Boys y Rude Girls como una forma de mostrar su ideal de unión racial (blancos/as y negros/as vestidos/as de blanco y negro).
Nacen varias bandas; las que provenían de Coventry se llamaban a si mismas the Specials, The Selecter y The Swinging Cats. Las de Londres se convirtieron en Madness, The Bodysnatchers, the Birningham y The Beat. Pero aunque las bandas del sello two tone eran las mas populares, no eran las únicas, también existían The Tigers, Ska City Rockers, The Employees y muchas otras más.
Para estas épocas el trombonista Rico Rodriguez, alumno del ya fallecido ex-miembro de los Skatalites y uno de los compositores de la primera era del ska, Don Drummond, vuelve en esta época y participa con los Specials y continuando su carrera como solista, que empezó en Jamaica en los ’60. Rico es solo uno de varios artistas de la primera generación que vuelve para esta época y se junta con las bandas de la two tone.
El fin de esta era llega con la caída del sello two tone, Dammers se encontraba en banca rota y en deuda con la Chrisalys (sello disquero que patrocinaba a two tone). La popularidad de estas bandas duró aproximadamente seis años pero marcaría la influencia de la música en el futuro.
Las letras de las canciones y los pensamientos ideológicos en esta época tomaron un papel protagónico (tal vez muy influenciados por la corriente punk y skinhead) lo que definiría la corriente ska desde ese momento en adelante.

Tercera ola (Third Wave)

La tercera época es la actual. Bandas como The Toasters, Bim Skala Bim y Fishbone comenzaron a revivir de nuevo las raíces de esta música a principios de esta era.
Mientras que por una parte hay bandas que continúan el estilo Two Tone, como The Busters, Scofflaws, The Toasters o Pama International otras recuperan el ska clásico, llamado a veces revival, que se distancia completamente de la Tercera Ola y se acerca más a los sonidos originales, como The Slackers junto a Chris Murray, Westbound Train, Hepcat, etc.
También es importante resaltar que en esta ola genera la incursión "masiva" del género musical a Latinoamérica, incursión que daría como resultado que cada país pasara a desarrollar su propia forma de ska usando sus instrumentos locales y tradición propios.


FOTO: Logo del Ska Fest

Nacen también nuevas fusiones, el ska se combina con casi todo. Nace el ska-core, ska-metal, ska-punk, ska-funk, etc. Empiezan a nacer bandas que fusionan varios ritmos o "Ritmo Mundial" como Mano Negra.
Aparecen en todo el mundo bandas de Ska tradicional como Hepcat, Don Khumalo, The Slackers, Skatalá y Dr Calypso.
La imagen del Rude Boy se mantiene como la originada en la era Two Tone, ya no como un "bandido" sino como un fanático del ska, con conocimiento sobre las raíces del mismo y con todos los ideales anti-racistas y revolucionarios que han caracterizado siempre a esta música.
Así en estos tiempos el Ska a tomado una tonalidad de música de unión. Uniendo asi a los Punks, Skins, Rudes, Skaliticos, Rastas, Hip Hoperos, Okupas, Raperos, Anarkistas, Libertarios, Negros, Blancos, Chinos, Europeos, Asiáticos, Amantes de la música latina, Natty Dreads, etc. bajo un mismo baile, una misma vibración y una misma lucha contra el sistema... sin distinción de raza, religión, status social, preferencia sexual, etc.


ALGUNAS BANDAS:

Inspector

Grupo de ska nacido en noviembre de 1995 en Nuevo León, México. Pronto comenzaron a ser reconocidos gracias a sus canciones y su particular estilo, el cual tiene como esencia el reggae y el ska, pero que también agrega jazz, entre otros, con letras románticas con las cuales el público se identificó de inmediato. Sus miembros actuales son Big javy (voz), Padrino (sax alto), Homero (teclados), Jimmy (sax tenor), David (batería), LeMo (trompeta), Franco (bajo) y Fabián (guitarra). En 1998 ganan el premio "Nuestro Rock" como mejor grupo nuevo lo que los lleva a presentarse en más ciudades. Su discografía abarca “Mision Ska” –demo– (1996), “Ska Live!” –Demo– (1997), “Blanco y Negro” (1998), “Alma en fuego” (2001) disco de platino por sus altas ventas, “Unidad, cerveza y ska” (2004), “Amar o morir” (2006), “Inspector” (2009).
Sitio web: http://www.inspector.com.mx

Malacates Trébol Shop

Banda originaria de Guatemala dedicada a interpretar ska. Nacida en 1997, sus canciones se caracterizan por su letra llena de sentimientos. Actualmente es la banda más importante de Guatemala y se ha presentado en Europa, Estados Unidos, México y toda Centroamérica. Malacates y sus integrantes son considerados de las figuras más influyentes de la música y la sociedad guatemalteca. Sus actuales miembros son Francisco Páez (voz), Leonel Hernández (batería), Jacobo Nitch (trompeta), Wicho López (teclados), Alejandro Álvarez (bajo) y Rodolfo Hernández (guitarra). En el año 2007 fueron seleccionados por el público como Mejor grupo nacional de Guatemala para los Premios Principales en Madrid, España. Su discografía abarca “Paquetequetes” (1998), “Sí” (2002), “Solo éxitos… dicen!” (2005), “De qué sirve querer?” (2009)
Sitio web: http://www.malacates.com

Mentados

Agrupación de Costa Rica de ska y punk, nacida en 1996 bajo el nombre de “Mentados Paupérrimos”. Fue rápidamente reconocida y en 1997 mezcló su base ska-punk con ritmos latinos y reggae. Para 1998 el grupo incorpora trompeta, trombón y saxofón, y decide acortar su nombre a “Mentados”. Sus actuales integrantes son Hugo Villalobos (voz), Bernal "El Brujo" Aguilar (guitarra), Andrés Cordero (bajo), Alexis de la Paz (batería), Nelson Ramírez (teclado), Ernesto "Trombo" Rubí (trombón), Luís Diego Fallas (trompeta), Federico Granados (saxofón tenor), Ramiro García (trombón). En 1999 graba su primer demo, el cual sirve para promocionar la banda en radioemisoras. De éste demo se extrae el tema Destino para ser incluido en la recopilación de música “Tiquicia Rock 2”, la cual incluye sencillos de las bandas más reconocidas del país. En el 2003 graba su primer disco “Ir caminando”, que incluye las siguientes canciones:

1. “El Esclavo” (descargar)
2. “Cuando la Miro Bailar” (descargar)
3. “Solo Palabras” (descargar)
4. “Baby don't Worry” (descargar) 5. “Ir Caminando” (descargar)
6. “The Horny Toad” (descargar)
7. “Cita a Ciegas” (descargar)
8. “Fiesta de por Vida” (descargar)
9. “Frente al Mar” (descargar)
10. “Aquella Noche” (descargar)
11. “Con esos Ojos” (descargar)
12. “Tu Rostro” (descargar)
13. “Destino” (descargar)

Actualmente se encuentra grabando uno nuevo, en el cual mezclara ritmos como soul, hip-hop, funk, etc.
Sitio web: http://www.mentados.com

Byron Lee y el Dragonaires

Formada en 1956, es una de las bandas de ska más conocidas de Jamaica. Byron Lee crea un crucial desempeño en el papel de ser pionero en llevar la música de Jamaica al mundo. El éxito que la banda tuvo, hizo que Byron también pueda tener éxito como productor, propietario del sello Dynamic Sounds, y fue uno de los mayores motivos de la explosión de la popularidad de la música de Jamaica a fines de la década de 1960 y principios de la década de 1970. Lee fue galardonado con la Orden de Distinción, Comandante, el 15 de octubre de 2007, en reconocimiento a su “contribución en el campo de la música y el entretenimiento a nivel local e internacional”. Sus temas son los siguientes:

1. Behold
2. 007 Shanty town
3. It’s You
4. My Boy Lolollipop
5. Easy Snapping
6. Worried Over You
7. Eastern Standard Time
8. 55-46 That’s My Number
9. I’ve Got To Go Back Home
10 .Wings Of A Dove
11. Simmer Down
12. Carry Go Back Home
13. Oh Carolina
14. Oil In My Lamp
15. Sammy Dead
16. Occupation
17. Tell Me Darling
18. Green Island
19. Schooling The Duke
20. Jamaica Ska

Los pies negros

Primera banda de ska de Puerto Rico, nacida en diciembre de 1991 por idea de Werner Rodriguez al reunir algunos músicos con el propósito de formar una banda. Sus integrantes actuales son Werner Rodriguez Del Toro (bajo), Wilmer Laboy Del Toro (guitarra), Mario Montalvo Camacho (guitarra), Olfrett Ortiz Laracuente (batería), Roberto Ramírez Soto (trombón), Danny Acosta rodríguez (trompeta), Lester Maldonado Padilla (cantante). Su discografía abarca “Moviendo los pies” (1994), S/T (1993), “Siempre igual” (1996), “Detrás de ese disfraz” (2003). Además han sido incorporados a diferentes recopilatorios, tales como “We don't Skare!!!”, “100% Latín Ska - Volumen 1”, “Latín Ska - Volumen 2”, “Bang”, etcétera.
Sitio web: http://piesnegros.tripod.com


EJEMPO: video y letra de un sencillo de ska

¿De qué sirve querer?

VIDEO:



LETRA:

¿De qué sirve querer?

Vuelvo a recordar otra vez cuando te conocí
era otro día gris pero yo estaba feliz, por fin.
Una noche más pensé es el viejo café
luego todo pasó, no se como empezó… tú y yo

¿Para qué?
¿De qué sirve querer
para luego perder?

Cada vez dolió talvez un poco más
sólo quedó tu voz, cortada entre los dos, esa vez.
Y el tiempo pasó, ya no sé, que fue de ti.
Hoy es un día gris y ya no fui feliz, sin ti

¿Para qué?
¿De qué sirve querer
para luego perder?

Te perdí…
¿De que sirve seguir
si no estas junto a mí?

Vuelvo a recordar cuando te conocí

¿Para qué?
¿De qué sirve querer
para luego perder?

¿Para qué?
¿De qué sirve querer
para luego perder?

Malacates Trébol Shop (2009)



Podemos observar que la letra es romántica, lo que caracteriza a la banda Malacates Trébol Shop. A pesar de que aparecen muchas personas con instrumentos (con tambores) se resaltan más los integrantes de la banda (Francisco Páez, Leonel Hernández, Jacobo Nitch, Wicho López, Alejandro Álvarez y Rodolfo Hernández), sobre todo Páez, que es la voz principal. En una parte del video también podemos apreciar bailarinas y bailarines, lo que demuestra que el ska puede ser un ritmo bailable. Este sencillo recopila todas las características propias del género que es ska, con un resultado muy bueno.


A pesar de que muchas veces el reggae tiende a englobar otros géneros como el ska o el rocksteady, es necesario dar a conocer que los tres son diferentes. El ska es el “padre” del rocksteady y el “abuelo” del reggae. El ska es un género propio que debe ser conocido como tal, por eso principalmente, es el tema de este trabajo.


REFERENCIAS:

(1)Rhythm & blues: conocido también como "música negra norteamericana" es un género musical derivado en su origen del jazz, el gospel y el blues.

(2)Rocksteady: evolución del ska como rítmo musical. Es un ska con un tiempo más lento, tiene como característica la acentuación de los tonos en el bajo y la disminución de la participación de los metales, como el trombón y la trompeta.

(3)Reggae: género musical de origen jamaicano. El término reggae algunas veces se usa para referirse a la mayoría de los ritmos típicos de Jamaica, incluyendo ska, rocksteady y dub. Con reggae se denomina más a un estilo particular que se originó después del desarrollo del rocksteady. En este sentido, el reggae incluye tres sub-géneros: el Skinhead Reggae, el roots reggae y el dancehall.

(4)Rude Boy: este término, que significa “chico rudo” en español, es utilizado para denominar a los miembros de un movimiento callejero originado en Jamaica en los años `60.

(5)Mento: es una música de Jamaica que es, en gran medida, desconocida; no obstante, es uno de los más importantes antecesores del reggae.

(6)Calipso: es un ritmo afrocaribeño originario en Trinidad y Tobago, muy popular en las islas del Caribe, en Costa Rica, Honduras, Panamá, México, Perú, Ecuador, Jamaica, en el Archipiélago de San Andrés y Providencia en Colombia y al sur (principalmente) de Venezuela y en el norte de Brasil.

(7)Jazz: es un género musical nacido a finales del siglo XIX en Estados Unidos, que se expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX.

(8)Mod: (del inglés modernism -modernismo-) fue un movimiento musical y cultural basado en la moda y la música, que se desarrolló en Londres, Reino Unido a finales de la década de 1950.

(9)Skinhead: término que significa “cabezas rapadas”, es utilizado para denominar a los miembros de un movimiento juvenil originado en Gran Bretaña en los años 60.


Material elaborado por: Ezequiel Núñez.

miércoles, 1 de abril de 2009

Queso Magro.-

El carnaval uruguayo es el más largo del mundo, ya que dura cuarenta días. Convoca a miles de personas y es un buen recurso económico, ya que se venden más entradas en esos cuarenta días, que en un año entero, de fútbol. También es una atracción turística hacia países extranjeros, ya que el carnaval uruguayo es muy original, puesto que, a diferencia de los demás, éste se concibe en teatros al aire libre (los demás son callejeros) y se centra sobre todo en las murgas, las cuales son el principal atractivo del carnaval uruguayo.

La murga del Uruguay, es un género teatral y musical, conformado por un coro (de trece a diecisiete personas, aproximadamente) y una "batería de murga" (integrada por: bombo, platillos y redoblante). Las murgas realizan cuadros musicales, que incluyen personajes y un guión, donde el tema principal suele ser el de acontecimientos políticos y/o sociales del año.


Una murga uruguaya que, año a año ha evolucionado hasta consagrarse como una de las mejores murgas de este país, es la ahora famosa…



Queso Magro.-

Esta murga fue creada en 1998 por un grupo de amigos, interesados por el género musical. Su idea era juntarse a cantar y aprender un poco de que se trataba ser parte de una murga, y sin darse cuenta, se fue armando un grupo que, sin querer, se convirtió en una murga del Carnaval Oficial.
Ese año, el grupo se enteró de que se estaba organizando el segundo Encuentro de Murga Joven, y sin ser aún conscientes de lo que vendría, decidió sumarse, y comenzar a armar su primer espectáculo propio.
El espectáculo se armó en solo dos meses. Se escribió una letra, se ensayó y cada uno cosió su traje con tres rollos de lona de color, aguja e hilo. Los gorros eran polifón sujetado a la cabeza por elástico blanco y con forma de quesos.
Ese mismo año se presentaron diez murgas, de las cuales el jurado eligió siete para participar en la ronda final en el Teatro de Verano, y Queso Magro fue una de ellas. Eso motivó al grupo para seguir trabajando y en febrero del 2000 la murga participaba ya de los diferentes tablados móviles de la Intendencia Municipal de Montevideo, yendo por los barrios, presentando lo que era la murga que pronto sería tema de conversación.
Algunos meses después, Queso Magro comenzó a armar un nuevo espectáculo, manteniendo la idea base de apuntar al humor, pero también enfocándose en mejorar los aspectos más pobres como el coro, la puesta en escena, los trajes, etc.
En noviembre la murga se presentó en el tercer encuentro de Murga Joven, pero esta vez eran dieciocho las murgas participantes y el grupo quedó entre las nueve finalistas.
Pronto, la murga comienza a crecer tanto a nivel grupal como individual, y ese proceso fue premiado con el tercer puesto entre treinta participantes.
A comienzos de 2002, Queso Magro participó de la mayoría de los escenarios móviles. Luego, comenzaron a preparar el espectáculo, que fue reconocido con el primer premio del quinto encuentro de murga joven donde participaron cuarenta y ocho agrupaciones de todo el país.
La murga no para de cantar en todo el espectáculo y cantando hace reír, lo cual es su principal objetivo.

Pero mejor, que nos explique uno de sus integrantes, Camilo Sequeira…

¿Por qué le pusieron “Queso Magro”?

Bueno, es una pregunta que quizás nos hacen asiduamente y es la pregunta a la que no tenemos respuesta. Es así: en realidad la murga en el momento que surge, surge como un taller y en ningún momento a nosotros, estaba en nuestra cabeza poder llegar a ningún encuentro como cuando era el encuentro de murga joven. Y Queso Magro surgió a partir de una lluvia de nombres, de ideas, y bueno, quedó ese nombre pero como podría haber quedado cualquier otro. No tiene un significado específico, ni nada que se parezca.

¿Qué significa el género que es la murga, para vos?

Para mi, personalmente, para mi la murga es algo que aprendí durante la marcha. No es algo que yo lo haya tenido de familia, ¿no? Como muchos compañeros o mucha gente que está en el carnaval dice: “Lo tengo desde la cuna” Yo todo lo contrario, ingresé a la murga, bueno lo que significa ser parte de Queso Magro que se constituyó como un grupo de amigos que pintó por ese lado ir, como podría haber pintado ser un cuadro de baby fútbol o un cuadro, no se... de básquetbol. Salió la murga y a partir de ahí me empecé a enganchar y a enamorar del genero, ¿no? Y a encontrar los puntos que realmente me gustan, por eso capaz que yo no soy una de esas personas que se puede decir “un gran crítico de carnaval” y conocer mucho su historia; yo conozco de Queso Magro del `98 hasta el 2009. Y después, en esos años, sí conozco como ha ido el carnaval porque formo parte de esto.

¿Cuándo fue tu primera actuación en la murga? ¿Cuándo empezaste?

En el `98, hace ya once años, fue la muestra en el teatro del encuentro de murga joven, fue en el teatro de Don Bosco, que fue el año en el cual la murga estaba conformada por la mayoría de nuestros compañeros de un grupo de recreación, que es de donde surge la murga. La murga surge de un grupo de recreación, en el cual nosotros éramos muy amigos, compartíamos muchas otras instancias y bueno, y decidimos hacer esta instancia y llegar a presentarnos en ese encuentro. Y realmente esa crisis en esos momentos, como hoy, unos nervios tremendos, la murga cantaba muy, muy mal, pero hacía reír y era una murga que dejaba un mensaje y un contenido claro, sencillo de captar.




¿Cuál es la base, la regla de oro?

Si, la regla de oro de Queso Magro creo que no está impuesta, no está hablada, naturalmente se da. Es basar sus espectáculos en el humor y en la ironía. No somos una murga que le guste ser panfleteros y no tener la critica que está, no buscar el doble sentido y buscar el humor constantemente desde cualquier tipo de situación. Y creemos que llegar al humor en situaciones, como por ejemplo, un año hicimos un cuplé, que era el “Cuplé del humor negro” que si no lo haces de esa manera no llegas. Creo que nosotros, nuestra herramienta básica, nuestras presentaciones, a partir de eso (del humor y la ironía) después se va cambiando y se va tratando de reflexionar en alguno puntos, pero creo que también fue un proceso de la murga. En lo primeros años de la murga, era 100% cantar mal y 100% humor, y así creo que fue lo que le gustó a la gente… y lo que nos gustó a nosotros poder hacer. La gente creo que, luego de la dictadura, en donde las murgas tuvieron un papel protagónico en tema de denuncias, esto llegó, pasó el tiempo y se sostuvo en el año ese mismo formato, hacer murga y como que la gente no estaba cansada de hacer ese tipo de música, pero si estaba cansada de poder escuchar en todos lados, en todo momento ese tipo de cosas y estaba buscando como una opción, porque son nuevas generaciones, no manifestarlo constantemente no quiere decir que se olviden las cosas, o se busca otro camino de manifestarlo, por ejemplo, el tema de los desaparecidos, el tema de las injusticias sociales o se busca una manera más creativa, capaz que no es la palabra creativa porque lo otro también es creativo, pero más contemporáneo, un humor más contemporáneo.

¿Tenías experiencias anteriores a Queso Magro?

No, antes de entrar a la murga (Queso Magro), tres, cuatro veces en mi vida había ido al tablado, y me gustaba muchísimo la BCG, cuando iba al tablado iba a ver la BCG. Después que entré a la murga, empecé a conocer. Si lo que hice fue conseguir material de años anteriores, ¿no? Por ejemplo, Contrafarsa, La gran muñeca, y otros tipos de murga. Igual, cosas puntuales, no espectáculos completos porque no es algo tanto de mi agrado. Pero si cosas que son bellísimas y que hacen a lo que es la murga ahora. Sería algo que le dedico tanto tiempo de mi vida, que le pongo tanto empeño, si yo no conozco un poco como son sus raíces, es como desmentir mi accionar. No es algo tampoco que me quite el sueño, pero si que tuve que hacerlo naturalmente por estar en este entorno y en este rumbo. Voy a lugares donde me encuentro con personas, carnavaleras de hace añares, que yo no tengo mucha idea, y me dicen “Mirá, funalito es tal” y `ta, lamentablemente yo no tengo la idea, pero no es por falta de respeto pero si hay otros que inevitablemente te los marcan, te marcan a vos, ¿no? Desde el momento que escuchás.

¿Cuál es tu papel en la murga?

Nosotros somos una murga cooperativa, yo dentro de la cooperativa cumplo con muchas funciones. Una de ellas es cantar, otra de ellas es estar en la coordinación, yo coordino todo lo que tenga que ver con los espectáculos, con la parte comercial, quiere decir la búsqueda de sponsors, las contrataciones de la murga, la parte de los trajes con los técnicos, que se les pague, que compren la tela, ¿no? Es un conjunto de gente que estamos en ese proceso de trabajo. Y a su vez, también formo parte de lo que vendría a ser la parte de organización cotidiana, avisar cuando hay ensayo, avisar cuando hay tablado, vendo la murga para el carnaval para los tablados. Más que nada enfocado en que también cada uno fue buscando su rol dentro de la murga en la parte de organización. Cuando uno monta un espectáculo en la calle, son tres puntos que hay que cuidar, y de la misma manera, porque de nada sirve tener unos trajes muy lujosos, o tener una buena organización, si después los textos no son buenos o no es bueno el contenido; tampoco sirve el contenido sacado de mala manera, es decir, que nosotros, por ejemplo, en el Cuplé de los celulares en vez de tener un teléfono celular, teníamos una madera, no es lo mismo. No muestra lo mismo a la gente y no llega de la misma manera. Entonces nosotros de acá, le damos la misma importancia y por suerte hemos crecido de las dos cosas al mismo tiempo. Es una murga que está muy bien a nivel comercial y está muy bien a nivel de espectáculo, entonces, creo que una cosa lleva a la otra. La mejor manera es ésta que vamos encaminados, en buen camino. Y bueno, y a su vez la murga, te vuelvo a decir, es cooperativa así que dentro de la cooperativa, todos formamos lo que es la directiva de la murga. Todos opinamos, todos votamos, todos decidimos y lo que se ha logrado hacer a partir de nuestra experiencia es, nuestro ideal de trabajo, cada uno trabaja desde un rol y desde un ámbito, ¿no? Poder delegar, si yo trabajo en la parte, con mi compañero, de lo comercial, no todo lo consultamos a la murga, porque si no sería una pérdida de tiempo. Entonces, nosotros tomamos las decisiones; si cuando en la decisión está en juego o puede llegar a estar en juego el nombre de la murga, moral, etcétera, etcétera, nosotros ahí lo planteamos. Un ejemplo es, a nosotros nos llegan invitaciones todo el tiempo para ir a cantar para las elecciones internas, por diferentes candidatos, la murga no tiene una decisión política, entonces nosotros, por el momento, dijimos que no vamos, hoy una de las charlas que vamos a tener es qué postura vamos a tener ante esto: si seguimos estando en la misma postura o tomamos partido por algún sector, o algún partido. En definitiva, esa estructura comercial yo no puedo tomar la decisión porque es una decisión colectiva, pero si por ejemplo, me llamaron de un cumpleaños para hacer una actuación en un salón la semana que viene, confirmé sin consultar; porque son los parámetros que nosotros tenemos: para algunas cosas se baja a la murga, para otras cosas se tiene autonomía.

¿Cómo es Queso Magro abajo del escenario?

La gran mayoría de la murga nos conocemos hace, aproximadamente, quince años. Ha cambiado el grupo, pero sinceramente es un grupo de amigos. Muchas veces las discusiones se tornan hasta un punto no agresivo, pero si un tono fuerte, por el punto de que somos amigos; entonces hay otro tipo de confianza y no hay como una persona que cuando tú le hablás tenés poca confianza, sino todo lo contrario. Te doy ejemplos, yo viví mucho tiempo con dos de la murga, ahora vivo con uno de la murga, porque el otro se fue; hay cuatro compañeros que viven entre sí; nos vamos de vacaciones la mayoría de la murga juntos, es algo que nuestras parejas nos piden por favor, que nos alejemos un poco (risas). Pasa a ser un estilo de vida. El grupo, realmente, comparte momentos buenísimos y de los otros, como una familia, porque no hay que decir que todos los momentos son de alegría y felicidad, y es más, cuando tantos de cada uno de nosotros pone tanto para la murga, se convierte en algo hasta muy pasional, entonces defiende sus ideas desde un punto, capaz que por momentos irracional (risas), aunque parezca contradictorio. Pero, hemos llegado a donde estamos en este momento –que no se si es mucho o poco–, que para nosotros es muchísimo, gracias a esa fuerza de grupo, a esa unión grupal. Esto es una murga que por ejemplo, cuando se va algún compañero –por suerte la mayoría de los compañeros que se van es porque le salió otro proyecto a nivel personal, por ejemplo, le ha tocado un trabajo que no es compatible con la murga, nosotros decimos siempre una frase que “en la murga no sale el que quiere, sale el que puede” porque muchas veces las condiciones laborales no te permiten salir y bueno hay que alejarse– nosotros teniendo la posibilidad de salir a buscar figuras de carnaval porque son tan buenas, porque tienen tanto tablado…, lo que nosotros tratamos es nuestro núcleo. Entró a la murga, por ejemplo, este año, una sola persona que era un utilero, en toda la historia de la murga trabajó de utilero, se estaba formando en canto, yendo a clase de canto, para poder llegar al nivel necesario para estar en la murga. Y bueno, antes de buscar una persona de afuera, se trajo, se le pidió a este compañero, este compañero entró, y creo que ésa es una de las muestras principales de por qué nosotros nos posicionamos de la manera que nos posicionamos al momento de armar un espectáculo. Somos un grupo, una familia, igual nos peleamos, nos reímos, pero no deja de haber un afecto muy grande.



¿Tomaste clases para ser parte de la murga?

Yo tomé clase un año. A mí el canto es una de las cosas que más me cuesta, me sigue costando y que constantemente tengo que estar capacitándome. Sí, al segundo año de la murga, empecé a tomar clases de canto. Mirá las clases de canto, yo vivía en la Ciudad Vieja, en ese momento eran en Carrasco y me iba en bicicleta a la clase de canto (risas). Iba y volvía. Imagínate el afán que tenía de aprender (risas). Tenía que aprender porque si no, no llegaba. Y a su vez, también nosotros acá, hacemos tipo talleres, la murga trata de capacitarnos a nosotros mismos en diferentes puntos. El año pasado, vino una persona a hacernos de expresión corporal. El año anterior, habíamos traído a una persona que nos enseñara a respirar para cantar. Es algo que en las murgas no es común, y que lo que hacen peor las murgas es el cantar respirando mal. Entonces, la técnica de respirar es fundamental no sólo para cuidarse la voz uno, por un tema de salud, sino también para que la emisión sea más profunda. Y este año otra cosa que hicimos fue, el compañero Tabaré, que es el director, lo que hizo fue implementar una técnica nueva de canto, en la cual cantaba uno de diferente tonalidad; eran ensayos de pocos con diferentes tonos, un grave, un agudo, un primo. Entonces ahí lo que hacíamos nosotros era seguir profundizando el canto. Y bueno, si, es constante, y aparte uno crece, la voz se le va cambiando. Nosotros le ponemos mucho esfuerzo, mucha energía, sabemos que no cantamos como otro tipo de murgas, pero dentro de nuestras posibilidades, damos el máximo para cantar lo mejor posible. Año a año, hemos logrado avances. No es postura de la murga decir “en el concurso nos va mal por nuestro canto, vamos a cambiar a alguna persona para cantar mejor”, y nadie se va a ir por ese motivo. Es decir, “no rindo en el canto, voy a dar un paso al costado”, todo lo contrario. Nos irá bien en el concurso, nos irá mal, la cosa es sí, seguir progresando a nivel grupal. Si el grupo va avanzando y una persona dice “no, yo doy un paso al costado, no vengo a los talleres, no me importa que la murga siga creciendo en el canto y yo sigo en el mismo nivel”, ahí capaz que el grupo mismo es el que hace la mayor censura, el que hace el autocontrol. El grupo marca mucho más que si tuviéramos un jefe.

Por último, sintetizame todo lo que fue Queso Magro.

Bueno, Queso Magro para mí, creo que la frase que lo redondea es un estilo de vida. A mi me ha marcado un estilo de vida, desde que tenía dieciséis años, hasta ahora que tengo veintisiete, un estilo de vida en el cual aprendí muchísimo, dejé muchísimo y marqué mi vida hacia herramientas que me daba Queso Magro y yo, por otro lado. Por ejemplo, hoy en día estudiando lo que es comercial y lo que es marketing, a partir de cosas que fui aprendiendo dentro de la murga, y eso pasó mucho dentro de lo que es la murga: muchos compañeros hoy son docentes de música, otros compañeros salen en la televisión haciendo programas a partir de lo actoral, que también lo aprendieron en la murga, u otros compañeros tienen otras bandas, ¿no? Entonces, bueno como que ¿qué marca para mi? La palabra Queso Magro es un estilo de vida donde yo puedo representar un poco de arte que me gusta.





VIDEO:

http://www.youtube.com/watch?v=oQ75gpNLr5c

Letra de la canción del video:

Cuplé del celular.



Te vi detrás de una vidriera en cti
Yo andaba hacendo shopping por ahí
Tenía que comprarme un pantalón
Y simplemente te vi
Por fin después de varios golpes aprendí
Camino y a la vez puedo escribir
Ahora nadie nos va a separar
Tengo un tatuaje del pin
Te compre una funda un cargador
Y hasta la pelotita de las luces
Sos mi perdición mi nuevo amor
Disculpa si yo te he apagado en algún
Momento
Es que no sabía ponerte en silencio
Tengo dedos gordos siempre aprieto el off
Tarjeta nunca te faltó sabes que no miento
Una vez te puse una de 500
Y eso sin contar la de la promoción
Si no me suena me mando un mensaje
Y cuando vibra que lindos masajes
Porfi no te quedes sin batería
Que el record de la viborita
Si sigo entrenando
Lo voy a pasar
Te amo
Me quiero matar cuando aveces te olvido
No se como hacían los indios sintigo
Ya no queda nadie por fuera
Es más que una moda
Y lo tiene cualquiera
Estudiante y profesor
Cuida coches y el doctor
Los rockeros los cumbieros los murgueros
Se compraron celular
El banana y el normal
El abstemio el falopero
Todos los tenemos
Los celulares tenes que tenerlos
Por cualquier urgencia
Él compró uno gracias a la plata
Del plan de emergencia
Los más chicos los ancianos
Los terrestres los marcianos
Los fulanos los menganos perenganos
El terraja y el concheto
Tienen el mismo modelo
Y aunque trate que no suene
Hasta el hippy tiene
(cupido hippy)
Ta, ta, si tengo vo,
pero ni siquiera me lo compré vo,
no le digan nada a mis amigos,
vo, es de mi abuela que se compró
el chiquito, el que trae el chip, el del sms…


Queso Magro está conformado por veinte personas, en mayo de 2007 (año en que se hizo el cuplé), solo uno de los integrantes tenía celular, dos meses después los que tenían celular sumaban once, y en setiembre los veinte tenían.
El grupo jamás pasaría ese hecho por alto, por suerte, ya que si lo hubieran hecho, no hubieran creado el divertidísimo “Cuplé de los celulares”. Fue por eso que decidieron que el cuplé tenía que ir por ese lado. Querían manifestar que sin importar el rango social, o el cultural de las personas, están unidas con las demás por el modelo de un teléfono. Este cuplé pertenece al grupo de los llamados cuplés atemporales, es decir, que si lo hacen ahora (tres años después de ser inventado) el cuplé sigue vigente, es entendible, además, si el cuplé lo hacen en Montevideo, en Artigas, en Buenos Aires o en Mendoza, va a ser igualmente entendido.

En el cuplé, como en toda actuación de una murga, se hace una representación musical y una teatral, todo en el mismo cuplé. En el caso particular de este cuplé, la murga siempre está cantando, y actúa solo al final. En otros casos, sin embargo, hay más actuación, y se deja de cantar al momento de actuar, de esta manera, se abre paso al diálogo. La vestimenta es la misma que en el resto del espectáculo, en lo único que varía es en un pedazo de madera, que hace las veces de celular.


Material elaborado por: Ezequiel Núñez.